BIOGRAFÍAS DE PINTORES

RAFAEL 

(Raffaello Santi) - principio de multiplicación

Raphael nació el 06 de abril 1483 en Urbino. Él era el hijo de un pintor. Continuó estudios de Pietro Perugino (Perugino) en Perugia. De 1500 a 1504, vivió en Florencia y fue muy influenciado por las obras de Miguel Ángel, Da Vinci, Bartolomeo, sin copiar, sin embargo. En 1508, Bramante (que construyó la Basílica de San Pedro en Roma) y por lo que recomiendo Rafael adquirió una reputación en Roma. Así comenzó una serie de puestos de trabajo en la ciudad eterna. Es el tiempo del Alto Renacimiento. Después de la muerte de Bramante, Rafael continuó trabajando en la Basílica de San Pedro como arquitecto. Además de las obras religiosas, como Madonna, hizo muchos retratos de personalidades de la época. Rafael lado, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, los artistas más representativos del Alto Renacimiento. Sigue siendo, sin embargo, un artista que encarna este estilo de pintura. Su trabajo influirá en las futuras generaciones de pintores. También forman parte de artistas como Tiziano y Durero usados nuevos medios de comunicación, como el grabado y la impresión, para reproducir su obra de arte.

   

Raffaello Santi: Santo Michael

Raffaello Santi: Transfiguración Christi

Paul Gauguin 

nacido 07 de junio 1848 en París. Como un hombre joven que vive con sus padres en Lima, Perú, donde murió su padre. Su madre murió poco después de Gauguin y se unió a la Marina. Despuésm entre 1871 y 1883, trabajó como agente de bolsa en París. En ese momento, se casó con Mette Sophie Gad Dane en 1873. Debido a su pasión por el arte, su esposa se ​​convirtió en una prioridad secundaria en su vida. Pasó gran parte de su tiempo a la pintura. Gracias a su amistad con el pintor Pissarro pintó obras del estilo impresionista. Entonces empezó a vivir en condiciones precarias. 
Paul Gauguin pintó Bretaña y Provenza, pero fue con sus cuadros animados de color fauna Tahití Gauguin se convirtió en uno de los artistas de de arte moderno más famoso. Con artistas como Cézanne, Van Gogh y Munch Gauguin contribuyeron a la transformación del impresionismo con un arte expresionista. 

      

Mujeres de Tahití

El Arles Alyscamps.

Carl Spitzweg

(1808 - 1885)

La pequeña burguesía divertente Spitzweg nació 05 de febrero 1808 en Mónaco. Estudió farmacia y se convirtió en un pintor autodidacta. En sus obras se divirtieron pintando la pequeña burguesía de la época con el fin caricatura. Sus personajes siempre tienen connotaciones divertientes.
Spitzweg murió el 23 de septiembre de 1885 en Mónaco.

Biedermeier Arte

 El poeta pobre

    Paseo Domingo

Rembrandt

Una estrella que murió en la pobreza (1606 - 1669)

Rembrandt nació el 15 de julio de 1606, hijo de un molinero Países Bajos. El estudio de la escuela latina de su ciudad y obtuvo un título entre 1621 y 1623, con el pintor Swanenburgh como maestro. Estos años de estudios fueron seguidos por una estancia de seis meses en el taller de Pieter Lastman en Amsterdam, que lo tomó como un estudiante. En 1625, regresó a Leiden en los Países Bajos, y abrió su propio taller. Seis años más tarde, se trasladó a Amsterdam y se casó en 1634 con Saskia van Uylenburgh. Saskia murió en 1642 y luego contrató una institutriz Rembrandt, Geertje Dirks, por su hijo Tito. En 1654, su amada Hendrickje Stoffels dio a luz a su hija Cornelia. Al año siguiente, la situación económica empeoró. Sus retratos se vendieron menos y el dueño de casa se ​​le preguntó por un pago de la cantidad total a pagar por la compra de la casa hogar cuestión.Perdió y sus obras. En 1663, tras la muerte de Hendrickje, casado Magdalena van Loo, la sobrina de su tía tía. El mismo año, su hijo Tito murió. Un año después, murió el 04 de octubre 1669 después de un año viviendo en la pobreza extrema. Rembrandt fue uno de los pintores holandeses más influyentes y barroco impregna los logros de los artistas que le sucedieron. Además de sus muchos cuadros famosos, realizado numerosos grabados y dibujos. La variedad de los sujetos estudiados, las técnicas y dispositivos usados ​​aún fascinan a nuestros contemporáneos.

            

Barroco

Sacrificio de Isaac                                                                                               Bathseba

Albrecht Dürer (1471 - 1528)

Un ejemplo para las generaciones (1471 - 1528)

El hijo de un orfebre, Durero (originalmente llamado Albrecht Dürer) nació el 21 de mayo 1471 en Nuremberg, Alemania. La formación continua en la pintura y el dibujo en el taller de Michael Wolgemut. Después de la universidad, hizo un viaje a Reno con la intención de conocer al famoso Martin Schongauer, pero murió antes de Durero consiguió conocimiento. En 1494, Alberto Durero emprendió un viaje a Italia, donde sus paisajes le inspiraron para crear sus obras, y en consecuencia, el artista incluye pintura alemana. A su regreso, en 1495, estableció su propio taller en Nuremberg Durero y otra vez viajó a Italia, donde vivió desde 1505 a 1507. En los años siguientes, Alberto Durero adquirió una reputación tal que el Emperador, Kaiser Maximilian preguntó numerosas obras. Durero murió en Nuremberg el 06 de abril 1528.

Las obras de este artista son conocidos por sus detalles precisos y la calidad de su dibujo. Sus dibujos no son sólo las obras de arte, sino también un ejemplo para las generaciones futuras a artistas alemán, francés e italiano.

               

Renacimiento

                 Eva                                                                                   Adán

                              

Los cuatro apóstoles, parte izquierda, Juan Santos    (parte derecha, el Santo Markus)

                                    

Pierre-Auguste Renoir

Renoir nació en 1841, hijo de un sastre Limoge y se trasladó con su familia a París en 1845.

Después de sus estudios en pintura porcelana, Renoir asistió a la Escuela de Bellas Artes, está llegando rápidamente a unirse al estudio de Charles Gleyre, donde conoció a Bazille, Sisley, Pissarro y Monet. Conoció a su primer éxito en 1868 con su obra de estilo impresionista, particularmente en el Salón de los impresionistas en 1874. Viajes Argelia e Italia, elimina el estilo y la influencia del estilo impresionista Dominique Ingres.

En 1883, se casó con Aline Chargot y se reinicia para desarrollar un estilo más libre y personal. Si instala el sur de Francia por motivos de salud en 1903. La causa de la artritis, extremo inmovilizado en una silla de ruedas, lo que impide no seguir pintando con pinceles de largo. Por lo tanto, Renoir siguió una obra rica en Cagnes Sur Mer antes de morir en 1919.

Renoir quería difundir la alegría de la vida en sus obras; pintado y jardines frutales, flores, mujeres y niños.

            

Impresionismo del poste

Bañista durmiente                                                                       Bola en el Moulin de la Galette

JMW Turner

Turner nació en Londres el 23 de abril de 1775, hijo de un barbero. En 1789, asistió a la Real Academia. Además, completó su formación con el artista Thomas Malton. En 1790, Turner se unió a una exposición de la Royal Academy, por primera vez con sus pinturas de acuarela. Seis años más tarde, presentó su primer trabajo en el aceite. Después de varios años de viajar a Escocia, Suiza y Francia, estableció su propia galería en 1804. En 1807, obtuvo una cátedra en la Real Academia y comenzó a administrar "Liber Stodiorum . " En este disco, clasificar la pintura en ciertos criterios. En 1819-20, viajó a Italia y visitó Roma por un tiempo, entonces, Turner cambió su estilo de la pintura y dio realista acerca de esto, fue severamente criticado por la Real Academia cese de la exposición y varias de sus obras más recientes. Turner viajó constantemente para el sur de Europa, especialmente en Venecia. Yo estaba fascinado e inspirado por sus colores románticos. Turner murió el 19 de diciembre 1851 en Londres. Turner fue uno de los más distinguidos del paisaje en la época romántica.

        

 Joseph Mallord William Turner:                   Romántico

Venecia, Gran Canal                                                                        Lluvia, vapor y velocidad

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August Macke

August Macke (1887-1914) . August Macke nació en Meschede 03 de enero 1887, y creció en Bonn . Estudió en la Academia de Artes de Düsseldorf 1904-1905 después de sus estudios, viajó por Italia, Holanda, Bélgica y Londres. Luego redecorado creativa en Düsseldorf, después de un viaje a París recientemente, durante la cual se reunió Delaunay. De nuevo comenzó sus estudios en el año 1907 cerca de Corinto en Berlín. Después de que terminó su servicio militar, se casó y se convirtió en un viaje a Suiza. hizo amigo Franz Marc Munich y se introdujo en 1911 para 1912, con el último, dijo que la exposición "Caballero Azul". Después de regresar a Bonn para instalarse allí y participó en la organización de exposiciones de arte alemán moderno. Con Klee e hizo un viaje a Moillet 1914 en Túnez, que cambió para siempre su forma de pintar. Él murió ese mismo año, el 26 de septiembre. Él murió a los 27 años y dejó una gran colección de más de 500 obras. En sus composiciones, la vida cotidiana de Las Las personas son el principal problema. La compañía Delaunay y otro pintor fauvista Matisse Marc, influyeron profundamente su obra. Macke fue el mejor representante del expresionismo Rin. 

      

Expresionismo

Macke, August: 

señora con chaqueta verde                                               Mujer con el parasol por sombreros

 
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Michelangelo (Michelangelo) - La cúpula de la Basílica de San Pedro

(1475-1564). Miguel Ángel nació 06 de marzo 1475 en la ciudad de la Toscana Caprese . Era un niño de primer grado Ghirlandaio en Florencia, con el fin de convertirse en un escultor Lorenzo de Medici rápidamente se dio cuenta del talento de este joven artista, quien lo tomó bajo su ala. Entre 1946 y 1501, Miguel Ángel vivió en Roma y diseñó, entre otras cosas, pide a la famosa Piedad. Su fama llegó con la creación de la estatua de David en Florencia cuando el artista tenía sólo 30 años de edad. Luego recibió sus primeras órdenes como pintor, sobre todo en 1508, el techo de la Capilla Sixtina. Este trabajo duró hasta 1512. En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma y dedicó su vida a la obra de la arquitectura. Tomó la dirección de la cúpula de la Basílica de San Pedro. Murió en Roma el 18 de febrero 1564. 

Con Leonardo da Vinci hizo la implementación del Alto Renacimiento y fue el artista con múltiples talentos: la arquitectura, la pintura, la escultura y la poesía. 

Renacimiento

Buonarroti, Miguel Ángel: La Creación de Adán (detalle)

Renacimiento

Buonarroti, Miguel Ángel: El Juicio Final - Capilla Sixtina, detalle del fresco

Gustav Klimt

La edad de oro del arte moderno (1862 - 1918)

Gustav Klimt, hijo de un grabador, nacido 14 de julio 1862 en Baumgarten, cerca de Viena.  En 1876, Klimt se convirtió en profesor de clase de pintura Viktor Julius Berger en la Escuela de Artes y Oficios. Su entrenamiento terminó en 1883 y fundó "Künstlercompagnie" (Artistas Company) ese mismo año. Esta fundación incluido su hermano Ernst Klimt y Franz Matsch. En 1886, en el Burgtheater, el estilo de Klimt comenzó a diferenciarse de su hermano y la erudición Matsch, Klimt, mientras que fuera. En 1888, Klimt recibió la Medalla de Oro de la Orden del Mérito y entamés un viaje que lo llevó a Cracovia, Trieste, Venecia y Múnich.

Unos años más tarde, después de la muerte de su padre y su hermano en 1892, Gustav Klimt a Maria Olbrich y Josef Hoffmann fundó en 1897 el "Wiener Secession" (Secesión de Viena) en la que Klimt era el líder y donde su primera exposición de un año más tarde. Sin embargo, la camarilla Klimt renuncia a la Secesión de Viena en 1905. Un año más tarde, Klimt creó autríaca federación de artistas, quien está nominado para el presidente. Después de la nominación, el artista viajó a Bruselas Londres y Florencia. En 1907, Klimt presentó sus primeros dibujos eróticos. En 1909, los años de oro de Klimt terminado. El artista murió el 6 de febrero de 1918 en Viena.

DESPUÉS DEL SIGLO Y, Gustav Klimt fue considerado como un artista del escenario VIENÉSESA inevitable. En conjunto, las diversas corrientes del arte moderno y la síntesis entre lo figurativo y ornamental, hecho en un estilo del color s dando al espectador un efecto a la vez sensual y llamativo.

                    

Klimt, Gustavo: El beso - Detalle         Arte Nuevo            Árbol de la Vida - Panel central (detalle)

Caspar David Friedrich

Un romántico alemán (1774 - 1840) nació el 05 de septiembre 1774 en Greifswald (Pommern), Friedrich asistió a la Real Academia de Arte de Copenhague en 1794. En 1798, se trasladó a Dresde, donde al año siguiente, fue parte de la exposición de la Academia. En 1810, se convirtió en miembro de la Academia de Berlín, y en 1816, la Academia de Dresde. Los años siguientes, a partir de 1820, el zar Nicolás desde justo antes de que el artista cae muy enfermo y se vio obligado a renunciar a la pintura en 1835. Friedrich murió el 7 de mayo 1840 en Dresde y fue rápidamente olvidado. El interés por su obra revivió en sanciones a principios del siglo XX.

Friedrich entre pintores románticos alemanes más importantes. acariciado el ideal de este período de su interpretación artística plena expresión de los sentimientos y el realismo.

 Romanticismo                  

    Friedrich Caspar David 

Explorador en la neblina marina                                                           Una mujer en la ventana

Claude Monet

BIOGRAFÍA DE CLAUDE  
PARIS † 14/11/1840 12/05/1926 Giverny

Claude Monet nació en París en 1840 y pasó su infancia en Le Havre, donde hizo sus primeras historietas entre 1856 y 1858. Es en esta ocasión que Boudin fue el primero en notar el talento del artista.  En 1859, Claude Monet en París, donde asiste a la Academia Suiza, donde trabó amistad con Pissarro.  En 1862-1863, el estudio de Charles Gleyre conoció Bazille, Renoir y Sisley.  Con sus pinturas, experiencia Monet efectos deferentes de la luz y la naturaleza, que se situó en el Salón 1865 1866.  Se casó con Camille Doncieux en 1870 con el que escapó, acompañado por Pissarro en Londres, cuando estalló la guerra entre Francia y Alemania.  A su regreso a Francia, se instaló en Argenteuil París.  En 1874, participó en la primera exposición impresionista de París.  El nombre de este movimiento artístico se debe a la "Impresión de la salida del sol."  Su esposa murió en 1879, se casa nuevamente con Alice Hoschedé, que murió en 1922. En 1883, instalado en una casa espaciosa Giverny donde estableció un jardín japonés y se utiliza para imaginar.  Las pinturas de este jardín fueron un gran éxito.  Claude Monet murió el 06 de diciembre 1926.  Claude Monet impresionista movimiento por excelencia con sus pinturas de la naturaleza, a menudo en el mismo. En Más bien   diferentes momentos del día o la temporada  también es destacada por los reflejos del agua con las luces y las sombras de los objetos redeaban.  © Hardy Schulz, Hamburgo - Valerie Brown, de Barcelona 

                     

 Impresionismo

Monet, Claude:       ramo de girasoles                                                      Mujer con un parasol 

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LEONARDO DA VINCI

Leonardo da Vinci -. Un genio universal (1452-1519) Leonardo nació el 15 de abril 1452 y crecerá con sus abuelos alrededor de Vinci en Toscana  Antes de convertirse, en 1472, el dueño de la corporación artística florentina Compañía "Lucas", que aprendido el oficio en 1466 cerca de Andrea Verrocchio en Florencia, y continuó sus estudios hasta cinco años después de su aceptación en la sociedad. Entre 1482 y 1499, fue un pintor, escultor, ingeniero, arquitecto de la corte de los Sforza en Milán. pintura, entre otras cosas, "La última escena de" marcó el comienzo del Alto Renacimiento. En 1500, regresó a Florencia, permaneció allí hasta 1506, el famoso cuadro Mona-Lisa y estudió cadáveres humanos en la morgue de un hospital. Entre 1506 y 1513, Leonardo da Vinci era el ejército del rey de Francia como gobernador de Milán y después regresó a Roma, donde permaneció hasta 1516. Hasta su muerte el 2 de mayo de 1519, estaba al servicio del rey de Francia, François 1er. Como artista Leonardo da Vinci Uno de los artistas más importantes del Renacimiento. Italiano, junto con Miguel Ángel, Rafael y Tiziano, sin embargo, fue un pintor, un ingeniero, un científico, un arquitecto, escultor y músico. Su talento siempre distinguir múltiples universal como un genio. (C) Hardy Schulz, Hamburgo - Jean Gerard Anfossi, París 
    

         

da Vinci, Leonardo: Mona Lisa 

    

                   

                               Da Vinci, Leonardo

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VINCENT VAN GOGH

Genio y Locura (1853 - 1890)

El hijo de Pastor, Vincent van Gogh nació el 30 de marzo 1853 en Groot-Zundert cerca de Breda (Países Bajos). Desde 1869, trabajó en el mercado del arte Haye, Londres y París. Además de esto, Van Gogh quería tomar clases en Bruselas para predicador laico. Pero no fue seleccionado para esta formación y se rindió sin formación, una región de Bélgica donde el carbón era un predicador y un maestro. En 1879, decidió ser pintor, y fue guiado por su bondad primo artística A. Mauve 1883-1885, el dibujo y la pintura junto a la casa de su padre. Hasta entonces, pintado en colores terrosos y pesada que cambiaron cuando llegó a París en 1885. En París, él tenía su hermano Theo y apoyo financiero conocido como artista impresionista. Su paleta se hizo más clara y alegre. En 1888, se trasladó a París para instalarse en Arles. Su estado mental se deteriora rápidamente incluso en 1889 fue admitido en el hospital de Arles y Saint Remy. En el mismo año. debido a que estos trastornos mentales, llegó a atacar a su amigo Gauguin había ido a visitar. Esto causó la separación entre los dos amigos, que llevó a Van Gogh se cortó la oreja en 1890, finalmente decidió ir al médico Gachet en Auvers-sur -. Oise, cerca de París, fue un pintor aficionado y gran fan del impresionismo 27 07 1890, le disparó un revólver y murió dos días después. En Provence Van Gogh desarrolló un estilo artístico particular se convirtió en ricos colores cálidos emergentes estilo impresionista. Con su estilo se convirtió, junto con Gauguin, Cézanne y Munch, uno de los precursores del fauvismo y el expresionismo. Incluso si usted vive en una miseria casi total y dependen económicamente de su hermano, su trabajo hoy en día, se encuentran entre los más conocidos y más caro del mundo.




            
Van Gogh, Vincent: Girasoles                                             de Van Gogh Dormitorio en Arles

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Salvador Dalí

(Figueres, Girona, 1904 - Púbol, 1989). pintor español Salvador Dalí nació en una madrugada en la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario y una dama sensata bienpensante aficionado a las aves. Más tarde escribió: "En los tres años para convertirse en un chef de cinco quería ser Napoleón Mi ambición ha ido creciendo y ahora se está convirtiendo en Salvador Dalí y nada en el otro lado, es muy difícil ... porque como vengo a Salvador Dalí lejos de mí ".

Desde que la persecución sería incesante y el objetivo no se logró, y nunca ya que, en cualquier rincón de su biografía fue siempre que pudiera encontrar el equilibrio y la paz, decidió ser excesivo en todo, intrepreta muchos personajes y sublimar su delirios pluralidad angustia humorístico y sórdida. Se define a sí mismo como "perverso polimorfo, detrás y anárquica", "blando, débil y repulsivo", pero para ganar esta publicidad laborioso antes ahorro era una prueba de iniciación, y si el juego favorito de traje bebé era el rey de diez años, cuando pintó como  El niño enfermo , explora las ventajas de una constitución aparecen frágil y nervioso.

Salvador Dalí

Su precocidad es sorprendente: una niña de doce descubrir el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce años y tiene familiaridad con el arte de Picasso y el cubismo fue hecho a los quince años se convirtió en editor del  Studium,  donde pastiches brillantes dibujan a la sección titulada "Los grandes maestros de la pintura."

En 1919 dejó su Cataluña natal y se trasladó a Madrid, se unió a la Academia de Bellas Artes y es un amigo del poeta Federico García Lorca de Granada y el cineasta Luis Buñuel surrealista que una mayor distancia irreversiblemente en 1930. En la capital lleva un extraordinario atuendo:. El pelo largo tiene una parte desproporcionadamente grande atado firmemente al lado del pie a veces llevaba una camisa azul cielo, adornada con gemelos de zafiro, sosteniéndose el pelo con una redecilla y pulido con barniz de aceite. Es difícil de ignorar.

En meses turbulentos y contenciosas en 1923 tuvo un desafortunado accidente. En la Academia de Bellas Artes, que se adjunta producirse manifestaciones en contra de un maestro, y antes del inicio del discurso oficial y desata polémica violenta, Salvador sale de la habitación. Las autoridades creen que este gesto fue él quien dio la señal de ataque y rebelión y decidió expulsarlo durante un año. Por otro lado, en Figueras, los guardias vienen a detenerlo y pasaron algún tiempo en la cárcel.

En la prisión de dejar recibir dos alegrías. La primera, una prensa de grabado que se le dio su padre, y la segunda visita su excelente compañero Residencia de Estudiantes de Madrid Federico García Lorca, en las noches de verano de Cadaqués leer toda la familia compuestos Dali y versículos dramas de nuevo. Es allí, en el Mediterráneo, donde García Lorca escribió la famosa "Oda a Salvador Dalí", publicado unos años más tarde, en 1929, en la Revista de Occidente. está dispuesta a trabajar Let Luis Buñuel Cadaqués con su amigo Salvador un guión bastante inusual y emerger como una película tan extraña  perro andaluz .

En 1927 Dalí viajó primero a París, pero al año siguiente, cuando se trasladó a París y se unió al grupo surrealista liderado por el poeta André Breton. El objetivo del movimiento final para derrocar a un par de años más tarde, en una reunión de procesamiento memorable Dalí apareció cubierto con una manta y un termómetro en la boca, fingiendo estar sufriendo de fiebre ficción ridícula farsa y el juicio para ser tan opresivo.

La fiscalía y la triple Dalí estaba coqueteando con el fascismo, para lucir un catolicismo delirante como excesiva, la pasión incontrolable por el dinero. Esto se refiere específicamente a la famosa anagramático apodo condenado Breton,  Avida Dólares , una carga de distancia. Placer pintor descontento e hizo secreto irónico, después de conocer lo que sería su musa y compañera durante toda su vida, Gala, entonces todavía esposa de otro poeta surrealista Paul Eluard, dijo Dalí románticamente: "Te quiero más que a mi madre en lugar de Gala mi padre, Picasso e incluso más que el dinero ".

Salvador se enamoró de Gala en el verano de 1929 y disfrutó por primera vez la dulzura de erotismo. Es hora de peinar  Adecuación del deseo ,  placer iluminado  y  El gran masturbador , esta última pintura que fue atacada y destruida por el grupo fanático puritano du Roy Camelot. Mientras que la exposición se produce a partir de sus obras en la Galería Goemans de París, retiros y joven pareja apasionada aislado en Riviera, los días y las noches encerrados en una pequeña habitación en un hotel cerrado.

Dalí, el genio excéntrico

Padres Consciente Salvador vida disoluta de su hijo por un artículo de Eugenio d'Ors apareció en  La Gaceta Literaria , rompió con su madre, pero esto no debería afectar demasiado, o quizás sí, porque es en este momento que el artista hace su mejor trabajo , al igual que el famoso cuadro  La persistencia de la memoria  (1931), donde los relojes blandos cuelga de la rama de un árbol en el borde de un pedestal y una misteriosa forma tendida en la vasta extensión de la playa.

En 1934, él viajó con su inseparable y Gala en los Estados Unidos, donde aterrizó y fue presentado a la prensa con un enorme pan cocido por el cocinero de la camisa que ha sido transportada. En sus manifestaciones errática ciertamente asociado con el mito de teléfono Hitler, Lenin y el béisbol. Son todas las bromas absurdo intento de restar importancia a una situación política que amenaza. Dos años más tarde desataron la brutal guerra civil en España y uno de los primeros signos de la probidad de los insurgentes militares es el infame. asesinato de su amigo Federico García Lorca, un crimen que conmocionó a la opinión pública internacional Dalí escribió: "Lorca tenía personalidad para hacer y vender lo suficiente para ser fusilado, antes que cualquier otro, para cualquier español."

En 1938, finalmente, se le conoce por el escritor vienés Stefan Zweig, Sigmund Freud, que había sido la gran inspiración de la estética surrealista, Dalí no se siente marginado a pesar de las bravatas de Breton, pero tenga en cuenta el ejemplo más genuino . El padre del psicoanálisis ha dado lugar a una nueva investigación del inconsciente con su libro  La interpretación de los sueños  (1900), pero nunca se había tomado demasiado en serio a los jóvenes admiradores de París.

Sin embargo, el 20 de julio de 1938, después de la reunión, Freud escribió en su diario: "Hasta entonces tuve la tentación de considerar a los surrealistas, al parecer, haber sido elegido como patrono, como miembro (digamos 95% de alcohol pura locura.) Este joven fan y dominio técnico indiscutible español, con sus espléndidos ojos, me trasladaron a reconsiderar mi opinión. "Por su parte, el artista ha hecho impresionantes fotos e increíble el" patrón "de los surrealistas.

Situado de nuevo en Nueva York en 1939, Dalí acepta el encargo de decorar una escaparates comerciales. El tema es el día y la noche, el primero evocado por un maniquí que se mete en una bañera peluda y la segunda, a través de las brasas y el paño negro estirado, pero la dirección cambia el conjunto sin consultar al autor. Dalí, enojado, volcar el astracán caliente lleno de agua y lo tira contra el cristal de la ventana causando una explosión y destrucción notablemente alta.

Aunque el público de Estados Unidos aplaude el vigor con el que defendió la propiedad intelectual, es juzgado por los tribunales y el pago de daños y perjuicios. También falla en completar su próximo proyecto para decorar un pabellón de la Feria Internacional de Nueva York, que era traer significativo título de  Sueño de Venus .

En España, en 1948, fijando su residencia de nuevo en Port-Lligat y encontrando en el régimen del general Franco todas las instalaciones. El gobierno incluso declaró que la esquina catalán pintor tan fascinado "punto escénico en el interés nacional". Para muchos historiadores son su mejor trabajo se había hecho, y sin embargo, todavía tenía cuarenta producción caprichosa y deificación irreductible y el exhibicionismo, apariciones públicas con estilo que protagonizó en diciembre de 1955, cuando el pueblo de la Universidad de la Sorbona en París Rollos Royce dar una conferencia llena de coliflor. En la vida del artista incluso fundó un museo en Figueres, paisaje, monumento colorido y extraño a su egoísmo proverbial es uno de los museos más visitados de España.

Durante los años setenta, Dalí, que habían declarado que la pintura era "una fotografía hecha a mano", fue el garante de hiper estilo internacional, dejando a su paleta, que era una preocupación menor que el universo anterior encuesta sueño ilimitado tedioso y engañosa . Pero más que otros recordaban mejor que sus pinturas su bigote encerado repulsivas, y algunos dicen que vieron en el lujo Liceo Opera Barcelona, ​​elegantemente vestido de frac y mirando el bolsillo de la camisa, bufanda y tortilla vistoso flácida.

En su testamento, el controvertido artista legó gran parte de su finca al estado español, lo que hace aún después de su muerte en 1989, después de una larga agonía, nueva y amarga controversia. El novelista Italo Calvino escribió que "nada es más falsable inconsciente"; . tal vez esta verdad paradójica y antifreudiana es la gran lección del creador del método paranoico-crítico, que tiene el histrionismo y pintor propaganda asistentes perfeccionistas ciudadanos eminentes rampantes y uno de lujo fue Salvador Dalí viento azotado por el viento Nutty prolífico Empordà catalán rápido desde el norte, que incluye las suaves olas de la costa mediterránea en un tortuoso y arriesgado, descubrió el arte de la mistificación y la simulación, el engaño, la simulación y la ocultación, incluso antes de aprender a conducir un palo sonidos precisión absurdo estéril.

Su larga vida dedicada a la cuestión de la tortura obstinadamente y lienzos con los frutos de su fértil imaginación más perversa permanecieron igualmente fiel a un impresionante paisaje de su infancia: Port Lligat, una bahía abrazó roca donde el espíritu remolino lee la altura de los misterios sublime, ahora corrompido como las aguas tranquilas. Místico y narciso, Salvador Dalí, quizás uno de los más grandes pintores del siglo XX, se convirtió en la irresponsabilidad provocativa en la ética, pero en uno, extraña belleza estética donde la belleza y no concebida sin que contiene el fulgor inquietante decir. Dalí exhibió provocativamente íntimas todas las circunstancias de su vida y pensamiento.

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(Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973), artista español. El hijo de un artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, ​​donde el joven pintor estaba rodeado por un grupo de artistas y escritores, entre los que se incluyen los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol bar conocido  Els Cuatro Gatos .

Picasso

Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su tiempo entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada  período azul , fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y se instaló en uno. Estudio sobre el Sena en París, se hizo amigo de, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; Mientras tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta de tonos tierra y rosa. Poco después de llegar a París entró en contacto con las personalidades periféricos y escena del arte bohemio como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o lo que sería el distribuidor para siempre, Daniel-Henry Kahnweiler.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX:  Les Demoiselles d'Avignon . Esta obra maestra se reunió muchas influencias, entre las que se incluyen los principales elementos del arte y africano e ibérico tomadas del Greco y Cézanne. Bajo la influencia constante de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se convirtió en una importante revisión de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el campo de la representación pictórica del volumen: el cubismo era el principio.

A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron este estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujo un elemento de flexibilidad en forma de trozos de papel y otros materiales aplicados directamente sobre el lienzo, una técnica llamada collage. La entrada al exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris, subió al escenario sintético estilo, marcado por una gama de colores más ricos y multiplicidad matérica y referencial.

Entre 1915 y mediados de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para entrar en una nueva etapa figurativista como parte de una reunión entre la clásica y la creciente influencia de lo que el artista llama a sus "orígenes mediterráneos." Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Khokhlova, y el padre y el hijo, Pablo, Pablo Picasso se interesó por la escultura después de su reunión en 1928 con el artista catalán Julio González, introdujo importantes innovaciones en el ínterin, como el uso de hierro forjado.

En 1935 nació una hija, Maya, una nueva relación, Marie-Thérèse, que vivió abiertamente Pablo Picasso, mientras que todavía casado con Olga Khokhlova, a partir de 1936, ambos tuvieron que compartir el pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar .

El estallido de la guerra civil española empujó una política de mayor conciencia, el resultado es una de sus obras más conocidas, el gran mural Guernica . En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tuvo dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde, Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó sus brackets cerámicos favoritos.

En 1950 se celebró numerosas series de grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó como un homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo un segundo matrimonio con Jacqueline Roque, que sería su última aventura de importancia. Ahora es una leyenda frontera y la participación directa artista y tomó Jacqueline Castillo Vouvenargues, donde el desarrollador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

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Jackson Pollock

(Cody, EE.UU., 1912-Springs, id., 1956) pintor estadounidense. Durante su infancia y adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en la Art Students League. Durante su período de formación conocida muralistas mexicanos de la pintura, que le impresionaron profundamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, que presta especial atención a los valores matéricos más tiempo y crominancia. En 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta y poco razonable, y que trabaja en el tiempo en busca de inspiración en el mundo de los indios americanos.

Jackson Pollock

El año 1947 fue decisivo en su carrera, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica de  goteo : en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocado en el suelo en el lienzo y verter pintura que gotea a la izquierda, después de lo cual se ocupa palos u otras herramientas, ya veces incluso le dieron una gran consistencia añadiendo trozos de arena e incluso de vidrio.

Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, el nombre asociado con el trabajo realizado con la técnica del  goteo , se convirtió en uno de los más importantes del expresionismo abstracto y  la pintura de acción , tendencia, De Kooning, es el representante más típico estresado. También fue uno de los primeros artistas para retirar a sus obras el concepto de composición y mezcla de signos caligráficos con características pictóricas.

Desde la década de 1950, la pintura abstracta figurativa trabaja simultáneamente con el blanco y negro semi-figurativo, pero su nombre ha pasado a la historia, especialmente en relación con las grandes telas de colores abstractos, donde las impresiones se entrelazan para formar una densa y el marco compacto (laberinto) con gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de coche cuando él ya era un pintor de gran influencia en la generación más joven.

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Edvard Munch

(Loten, Noruega, 1873 -. Ekely cerca de Oslo, ID 1944). Pintor y grabador noruego La estilización de la figura, la longitud de las líneas y, a veces, el intenso drama y la intensidad de color, estilo hicieron el noruego Edvard Munch pintó uno de los modelos de la estética del expresionismo en las primeras décadas del siglo XX.

Edvard Munch

Pérdida Porcentaje diminutos seres queridos, y el espectro de la muerte, que llenó su infancia, le acompañaría durante toda su vida, convirtiéndose en uno de los temas recurrentes en su obra. En 1885 llevó a cabo el primero de muchos viajes a París, donde fue especialmente atraído por los movimientos pictóricos más tarde y por el arte de  Paul Gauguin  y  Henri de Toulouse-Lautrec . Pronto creado un estilo muy personal basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, cortar formas a su esquema de color expresión simbólica más naturalista, de ahí su clasificación como pintor simbolista.

Entre 1892 y 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, pero hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín, en 1892 presentó una exposición que tuvo que ser retirado por el escándalo que se levantó y llevó a la creación de la Berlin Civil. En Noruega pronto contado entre sus amigos prominentes políticos y literarios y tenía una afinidad particular con el realismo social de la creación de Henrik Ibsen, que realizó para los decorados y el vestuario para la obra Peer Gynt en 1896.

En 1908, Munch, después de una tormentosa relación víctima del alcohol, sufrió una enfermedad nerviosa severa, por lo que tuvo que ser celebrada en el Jacobsen médica psiquiátrica en Copenhague, que está completamente restaurado. En 1908 regresó definitivamente a Noruega, donde recibió algunas posiciones oficiales (pinturas auditorio de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad. Munch izquierda a la ciudad de Oslo todas las obras hasta su muerte en 1944.

El grito  (1893), de Edvard Munch

La obra de Edvard Munch se caracteriza por un sentido de la vida y trágica muerte, en su conjunto escandinavo Literatura Ibsen Strindberg. Aunque sus primeras pinturas fueron influenciados por los impresionistas, como buen conocedor de la obra de Gauguin y Van Gogh, entonces favorecido la idea de capturar los sentimientos, de exteriorizar los sentimientos de ansiedad y la soledad del ser humano. Su madurez se impregna con el "sentimiento trágico" que ofrece un romanticismo romántico pero se retiró contexto apropiado llevada a su conclusión lógica, pero el valor "absoluto" como algo que el hombre no puede ser puesto en libertad.

En la pintura de Munch aparece el rostro del mundo alimentado por estas fuerzas desconocidas que también forman parte de la condición humana. Su ambicioso proyecto titulado  El friso de la vida  (1893-1918), a la que pertenecen, sin duda pinturas más representativas refleja los sentimientos y las obsesiones humanas. Veintidós de estas pinturas fueron exhibidas en 1902 en el grupo de muestra de Berlín  Secesión . La mayoría de ellos refleja la decepción del siglo y la imagen del hombre como la víctima.

Su trabajo anterior en 1908 está estrechamente ligada a este ciclo que, de alguna manera, diseñado como un poema de amor, la vida y la muerte. Así  beso (1892) o  la cámara de la muerte  (1894), ambas en la Galería Nacional de Oslo, donde se refiere al drama se produjo durante la infancia:. la muerte de sus personajes madre y su hermana dibuja con dolor, pero están conectados formalmente con una línea que serpentea alrededor de toda la superficie de la pintura. No hay sombras, apenas colores planos y contornos que marcan el ritmo visual aguda un medio ideal para expresar la angustia de espíritu.

Sin embargo, su trabajo es más icónica  El grito  (1893, National Gallery, Oslo), una de las pinturas más intensamente haber reflejado el horror y la angustia del ser humano. La cifra se expresa ante todo un terror inconmensurable. La angustia de la soledad, la desesperación no encontrar un sentido a la vida y su relación con las profundidades se refleja fuertemente en la obra del pintor noruego.

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Fernando Botero

Pocos artistas han logrado tanto impacto como el pintor y escultor español Fernando Botero Colombia internacional. Su estilo personal, que tiene entre sus funciones se expandió más fácilmente identificable o deformación de los volúmenes, se ha ganado la admiración de crítica y público pueden escapar la expresión una estética única que sigue siendo problemática humana y ocupan una prioridad social.

Fernando Botero

Nacido en Medellín en 1932, Fernando Botero fue el segundo de los tres hijos de la pareja formada por David Mejía Botero Angulo flora Botero. Incluso en su juventud fue por un corto tiempo en la Academia de San Fernando en Madrid y San Marco en Florencia, aprendió por sí mismo su formación artística. Sus primeras obras más conocidas son las ilustraciones publicadas en el suplemento literario del diario El Colombiano, su ciudad natal.

A los 19 años, viajó a Bogotá, donde hizo su primera exposición individual de acuarelas, gouaches, tintas y aceites en la galería Leo Matiz y procede vivió algún tiempo en Tolú. En su tiempo, no habría conseguido el aceite  Waterfront , que obtuvo el segundo premio de pintura, que se compone de dos mil dólares, en el noveno Salón Anual de Artistas Colombianos. El crítico Walter Engel, en el momento de los 17 de agosto de 1952 descubrió que tenía "una composición vigorosa, bien construido y bien hecho", pero el escritor Luis Vidales criticado por su "alargamiento inconceptual de las figuras."

Botero luego viajó a Europa, donde vivió durante cuatro años, principalmente en Madrid, Barcelona, ​​París y Florencia. Aunque admitió que las academias mencionadas, seguido de la formación de la base de la lectura, visitando museos y sobre todo la pintura, como él lo haría. Luego viajó a México, Nueva York y Washington en un período de creación febril y recursos económicos limitados, acompañado de su esposa Gloria Zea. De regreso en Colombia, Botero compartió el segundo premio y medalla de plata en el X Salón del artista Jorge Elías Triana Colombia y Alejandro Obregón. Su aceite  Contrapunto  fue elogiado por la crítica por unanimidad por su alegría contagiosa.

La Camera degli Sposi  ganó el primer premio en la Exposición XI Nacional celebrada en septiembre de 1958. En este trabajo Botero logró deshacerse de una influencia lejana de los muralistas mexicanos y la cabeza, sin dudarlo ya través de su admiración por los artistas del Renacimiento italiano hacia la consolidación de lo que algunos boteroformismo llamada ".

Picnic  (1989)

El pintor había dicho cuatro años desde su admiración por el monumentalismo calma Paolo Uccello Lock y pidió "un renacimiento de la piedra, con las formas de diseño de bloques", que también gestionan Piero della Francesca, en  homenaje a Mantegna , exacerbación de volúmenes y éxito o formas geométricas básicas (Walter Engel esculturas precolombinas relacionadas con San Agustín) reportaron el nacimiento de una pintura palabras Lockwood "profundamente original, por lo antibarroca antiabstracta anticlásico y antiexpresionista." De todos modos, el premio en el XI Salón fue coronado.

Entre 1961 y 1973 fijó su residencia en Nueva York. Después de vivir en París, alternando su residencia en la capital francesa con largas estancias en Pietrasanta o su granja en el pueblo de Tabio Cundinamarca. En 1964, Fernando Botero hecho incursiones en el campo de las obras escultóricas como  obispo cabeza , figura, hecha de serrín y pasta con ojos de cristal, tenía claros ecos de la imaginería barroca colonial. Desde 1975, en Pietrasanta, dedicarse a la escultura con entusiasmo: "Parecía como si todo este universo de figuras monumentales que se desarrolló en la pintura escribe Escallón- hizo eco en las tres dimensiones Hoy, uno alimenta al otro .. Mucho riqueza proviene de pintura imaginativa, dando ideas, soluciones, posibilidades ... pintura Botero desmantela la estructura y sintetizar una unidad de la escultura ".

Fernando Botero posa con una de sus obras

En 1977 exhibió su primera medalla de bronce en el Grand Palais de París. Después de cuatro décadas de trabajo ininterrumpido, su reconocimiento en el campo de la escultura también era universal. apoteosis fue la exposición de grandes estatuas en los Campos Elíseos de París durante el verano de 1992 y en el año siguiente, en la Quinta Avenida de Nueva York, Buenos Aires y Madrid.

Ya convertido en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, Botero nunca ha dejado, sin embargo, para hablar en contra de la injusticia y para mantener su arte en línea con la realidad histórica y social. Sirve para ilustrar uno de su más reciente serie de pinturas, que tiene lugar en la tortura por parte de infantes de marina en la cárcel iraquí de Abu Ghraib (2003), en el contexto de la ocupación de Irak. Presentado en el Palazzo Venezia en Roma en 2005, la fuerza de esta inquietante colección de cincuenta lienzos declaró además que el pulso y la creatividad de la artista no ha disminuido ni un poco con los años.

Botero antes de que uno de sus cuadros sobre Abu Ghraib

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